martes, abril 15, 2014

The Amazing Spider-Man: Family Business

La vida de Spider-Man ha dado una serie de giros que lo hacen acostumbrarse a los escenarios más bizarros. O eso creía, hasta que un día, como cualquier otro, se entera de que tiene una hermana perdida. Caballeros, con ustedes, Teresa Parker.
Les voy a confesar una cosa: Hubo años, y digo años, que compré la revista del Hombre Araña sin encontrar una historia satisfactoria. Es una de esas cosas que comienzas haciendo por gusto y terminas volviéndolo un acto casi mecánico. Es por eso que cuando comencé a escuchar el burbujeante fenómeno de Family Business, me lo pensé dos veces adquirirlo.
Por un lado teníamos a un guionista de largo kilometraje en los cómics, como lo es Mark Waid. Del otro, a uno de los artistas que justifican que el cómic sea considerado el noveno arte: Gabrielle Dell'Otto.
Aquí viene la tradicional pregunta: ¿Con dos tipos tan buenos, qué puede salir mal? Pero sabemos que en los cómics incluso Stan Lee y Jack Kirby la llegaron a cagar, así que es mejor no darle carta blanca a nadie.
El otro día me encontré con este ejemplar en un Sanborns, y como buen ñoño piojo, comencé a leerlo gratis. Me bastaron unas cinco páginas para darme cuenta que bien valía la pena comprarlo (eso y que uno de los tipos que trabajan allí, de saco rojo –sin albur– me dijera si lo iba a comprar...al cómic, no a él).
Spider-Man: Family Business está ubicado cronológicamente antes del número 700, y la lectura lo convierte en un cómic prácticamente atemporal. Las referencias a la actualidad de Peter son mínimas, y la historia fluye sin que estemos pensando si esto es antes o después de tal o cual cosa.
¿Qué cómo es la historia? Muy buena. De verdad, muy buena. Es un one shot que justifica serlo. El gancho de la historia ("la hermana") puede servir para despertar el morbo de muchos, pero hay mucho más. Waid nos da a un Spidey clásico, ese que muchos leímos hace tiempo por primera vez, y nos divirtió al punto de seguir comprando su revista. Los gags que lanza en sus batallas son brillantes, y tiene dos que tres puntadas que valen el número.
Pese al nombre, este nombre no es un cómic de “puro” Spider-Man. De hecho, hay mucho de Peter Parker. Los guiños a su pasado y caótico presente son geniales, y lejos de ser una historia que se centre en la mera acción, tenemos muchos elementos de espionaje, en una aventura que viaja de Nueva York a Mónaco e incluso llega a Egipto.
Con los anterior, está de más decir si es una lectura recomendable, pero de todas formas lo voy a hacer: Es una lectura recomendable. Un cómic de esos que bien valen la pena tener, por el arte, la historia y porque incluso el mediocre equipo de Giobanny Arévalo no pudo arruinarlo. Y eso es mucho.

martes, abril 01, 2014

Capitán América: El Soldado de Invierno (spoilers free)

¿Es una buena película El Capitán América: El Soldado de Invierno (o del invierno, como sea)? 
Voy a comenzar con lo que me ha gustado de la cinta. Tenemos, creo uno de los elencos más redondos con Chris Evans, Scarlett Johansson y Samuel L. Jackson. Se ven creíbles y se sienten cómodos en sus papeles. No es poca cosa, tomando en cuenta que Warner no lo ha logrado en ninguna de las películas que ha hecho con personajes de DC, e incluso Marvel ha tenido sus patinones con The Amazing Spider-Man, Punisher y Daredevil, entre otros.
Creo que el Capitán América, como personaje, logra conservar mucho del espíritu del cómic. No me refiero sólo a las habilidades (hace justo lo que esperaríamos del Capitán, e incluso un poco más), sino en su psique. Un tipo que mentalmente está atrapado en el pasado, con valores obsoletos en una época donde ya no se aplica; pero que físicamente es muy superior, sin llegar a ser indestructible.
Pensaba que Robert Redford se iba a ver fuera de tono, pero no. como Alexander Pierce es un villano convincente, sobre todo porque no es una amenaza física, sino estratégica.
Las escenas de acción están bien logradas. Todas. Las coreografías son muy agradables y hay una cantidad generosa de guiños que van a disfrutar los fanáticos de los cómics.
Quizás en esos guiños comienza a verse la debilidad de la trama. Los hermanos Russo tenían mucho para elegir armar la historia de la cinta, y tengo la sensación de que terminaron por querer meter un poco de todo.
Creo que si la película hubiera tratado solamente del Capitán América y SHIELD habría sido mejor. Si hubiera tratado solamente del Soldado de Invierno contra el Capitán América, habría sido más conveniente. Los dos temas se sienten demasiado, creo que no terminan por desarrollarse del todo, y van dejando un hueco tras otro.
De hecho, el Soldado del Invierno me parece desperdiciado. Creo que mucha gente que no es fan del cómic no entendió lo difícil que para el Capitán América pelear contra Winter Soldier, porque en la cinta no terminan por construir convincentemente ese puente emocional que se supone que hay entre ambos. La génesis del villano es veloz, y esos mismos trompicones la hacen poco memorable. Incluso le juega en contra el querer parecerse al cómic al contarlo mal (aquí no tiene sentido, por ejemplo, que tenga una estrella roja en el brazo metálico).
Repito la pregunta inicial, ¿es buena película? Creo que los que gustan del personaje, o la intriga, o el espionaje, se van a divertir, y mucho. Los puristas del cómic, como siempre, la van a odiar. Pero para la gente que llega de "cero", lamento decirles que habrá grandes, grandes huecos que serán completamente incomprensibles. 
Mi veredicto: Es una película buena. Pero no es una película fácil.

martes, marzo 04, 2014

Los Fabulosos Cuatro Fantásticos

• Los Cuatro Fantásticos, personajes de enorme tradición en Marvel.
En los cómics, el concepto de “equipo” puede sonar común hoy en día. Ese ese conjunto de héroes, como Los Vengadores o la Liga de la Justicia, que se forman para combatir a una amenaza mayor. Grupos de paladines que, hombro con hombro, combaten a esos rivales cuyo poder es demasiado para ser encarado de forma individual. Pero hay algo que hace que Los Cuatro Fantásticos sean radicalmente distintos. Únicos, incluso hoy. Y es que llos no son un equipo. Son una familia.
Surgidos en la época de la carrera espacial, cuando el hombre apenas soñaba con salir de la Tierra y acercarse a las estrellas, el primer número de los Cuatro Fantásticos vio la luz en noviembre de 1961. En los lapices estaba Jack Kirby, y en los guiones, Stan Lee. Y el titulo de convirtió, en el momento de su lanzamiento, en el primer gran hit de la entonces naciente Marvel Comics. El mundo estaba lejos de adivinar que los personajes, los creativos y la compañía, se iban a convertir en iconos de la cultura pop.
Durante una misión por el espacio, Reed Richards, Susan y su hermano Johnny Storm, así como Ben Grimm, se ven atrapados en una lluvia de rayos cósmicos. Al regresar a la Tierra descubrirían que los rayos afectaron su cuerpo de forma insospechada, otorgándoles fabulosos poderes.
Los Cuatro Fantásticos no son un grupo de héroes comunes. No solamente por el hecho de considerarse familia, sino por la naturaleza de sus proezas. Mientras que otros títulos de la época apelaban a la acción, las historias de la llamada “primera familia Marvel” se enfocaba más en la ciencia ficción y la aventura.
Si bien es cierto que combatían a un villano tras otro, también es cierto que estos se cruzaban casi siempre de forma incidental en los viajes que los Fantásticos emprendían por el espacio, la Tierra, las profundidades del mar o hasta en universos alternos. No había puertas cerradas para sus creadores, que maravillaron a toda una generación de lectores, y revitalizaron el cómic, que viviría un “boom” creativo en las décadas posteriores, en buena medida, gracias a esta familia.
Y es que Lee y Kirby dotaron a sus protagonistas de una cualidad muy especial. Si bien es cierto que eran poderosos, también mostraban constantes vulnerabilidades. Amaban, sufrían y tenían constantemente la sensación de que lejos de ser una bendición, sus poderes eran una verdadera maldición, que les impedía integrarse en el mundo.
A medio siglo de haber nacido, la gran cualidad de los personajes se encuentra en que su longevidad no se debe a un diseño especialmente bueno, o a una seguidilla de historias legendarias. Se debe a que tienen corazón. A que triunfan sobre las adversidades externas, internas y emocionales. A que se pelean entre ellos, y se aman profundamente. Mueren y reviven. Se van y regresan. Pero sobre todo, de que aunque pasen los años y las modas, ellos siguen siendo, más que un equipo, una familia.

Sr. Fantástico: El doctor Reed Richards, cerebro del equipo, y con la habilidad de estirar su cuerpo. Aunque tiene una gran resistencia y habilidad, su principal cualidad es una inteligencia que lo coloca como una de las grandes mentes del universo Marvel. Se encarga de diseñar las armas, vehículos y trajes del equipo.

Mujer Invisible: La dulce Susan “Sue” Storm es el corazón del grupo. Tiene el poder de volverse invisible, y generar campos de fuerza que pueden ser usados de forma ofensiva y defensiva. Dada la naturaleza de sus poderes, se ha especulado que es el integrante más poderoso de todos. Está casada con Reed, con quien tiene dos hijos: Franklin y Valeria.

La Antorcha Humana: Johnny Storm, hermano de Sue y el aventurero del equipo. Puede envolverse en fuego al grito de “¡llamas a mi!”. Su poder le permite volar.
Es mujeriego, y ama la velocidad, lo que lo hace el más bohemio y disipado del equipo. Puede expulsar una gigantesca flama capaz de provocar mucho daño, llamada “Nova”.

La Mole: Ben Grimm, el mejor amigo de Reed y la fuerza bruta del equipo. Los rayos cósmicos lo afectaron más que a los demás, al convertir su piel en una especie de roca naranja. Su frase característica es “hora de golpear”, y sí, es el primero en lanzarse a los trancazos. Es el que más burlas sufre, y ha entrado incluso en depresión por su aspecto. 

Los villanos: 
Dr. Doom: Victor Von Doom es soberano de Latvería, y es bastante peligroso. Es un genio como Reed, pero un accidente le dejó una cicatriz en el rostro, lo que le provoca un enorme resentimiento contra la humanidad. Es uno de los villanos más peligrosos del mundo, aunque su soberbia le suele jugar en contra. 

Namor: El soberano de Atlantis, no es del todo un villano, pero su carácter, y el hecho de considerar a la humanidad como sus inferiores lo hace un tipo muy antipático. Tiene superfuerza y resistencia, lo que lo hacen un oponente físicamente de enorme peligro. Ha intentado en varias ocasiones darle “baje” a Reed con Susan, a quien pretende para reina de Atlantis, aunque siempre sin éxito. 

Annihilus: Nacido en la Zona Negativa, este ser en forma de insecto es una amenaza de otra dimensión. Comanda a un ejercito de monstruos que, cuando ha logrado llegar a nuestro espacio, ha sido capaz de provocar una enorme destrucción. 

Galactus: Amenaza cósmica, que puede consumir un planeta hasta matarlo. Los Cuatro Fantásticos se hicieron conocidos en el Universo Marvel al detenerlo con la ayuda de Silver Surfer. Pese a todo, Galactus no es un villano como tal, pues al consumir planetas, mantiene una especie de equilibrio por todo el espacio.

Son noticia...otra vez

Pese a tener más de medio siglo de vida, los Cuatro Fantásticos son noticia por estos días. Y es que los estudios FOX anunciaron quienes serán los protagonistas de la nueva versión del equipo heroico en la gran pantalla. Y lo que sorprende es que la Antorcha Humana será interpretado por un actor afroamericano.
Miles Teller será el Sr. Fantástico, Jamie Bell será La Mole, Sue Storm será encarnada por Kate Mara y Michael B. Jordan como Johnny Storm. Y aunque en el cómic los dos hermanos Storm son caucásicos, en la nueva versión de la gran pantalla, ella sería blanca y él afroamericano.
Los fanáticos recibieron la noticia entre escépticos y furiosos. Los primeros no saben cómo el guión justificará este cambio, mientras que los segundos creen que el espíritu de “familia” se altera, y consideran que el cambio de raza, lejos de ser justificado por la historia, busca ser un escándalo para llamar la atención.
De momento, ni el estudio ni Marvel Cómics han fijado una postura, ni se conocen mayores detalles del guión, aunque no es el primer personaje que cambia de color para llegar a la pantalla. Nick Fury era blanco en los cómics, mientras que en la gran pantalla se optó por una versión afroamericana, basada en la presentada en la serie The Ultimates, y no los tradicionales Avengers. Otro cambio fue el de Kingpin, que en el cine es afroamericano, mientras que en el cómic es un hombre blanco.

martes, enero 21, 2014

El decálogo secreto del anime

Para muchos, “caricaturas” e “inocencia” son dos conceptos que van de la mano. Historias tiernas que se suponen tienen que reforzar los valores que se aprenden en casa, y en muchos casos, despertar una sonrisa cándida por parte de los pequeños espectadores. Pero en algunos casos, un extraño velo de misterio se apodera detrás de lo que parecen ser simples y coloridos trazos. En algunos casos, surgen sospechas de que hay un mensaje oculto.
Desde hace décadas, las caricaturas japonesas, o animes, se han caracterizado por provocar una polémica especial, muy alejada de sus “primas” norteamericanas. Mientras estas últimas son señaladas muchas veces como bobas o elementales, las que desembarcan del lejano Oriente se tachan de violentas o extremadamente sugestivas para las mentes juveniles. Incluso, hay quienes encuentran significados crípticos y auténticos manuales de ocultismo en su animación. 
Desde Dragon Ball hasta Kimba por los oscuros origenes, pasando por Candy Candy y Ranma por los dramas que relatan, hasta Los Supercampeones y Doraemon por sus “finales secretos y traumáticos”. La animación japonesa, sofisticada y fluida, suele estar en el ojo del huracán de forma constante.
Pero, ¿qué tanto de esto es verdad, y que tanto es mentira? ¿Existe de verdad un plan para contar historias secretas en las animaciones? ¿Hay finales que nunca se transmiten en televisión por ser demasiado fuertes?

El final “verdadero” de los Supercampeones
Oliver Atom despierta en la cama de un hospital. Levanta la sábana que lo cubre, y se da cuenta que no tiene piernas. Todos los partidos, los amigos, los viajes, los goles, los triunfos. Todo fue un sueño. Ese es el verdadero final de los Supercampeones. O al menos, eso según en internet.ç
Este supuesto final de la serie se ha popularizado en internet, y no falta quienes defienden que es el legítimo, pero la verdad es que Yōichi Takahashi, autor original del manga de Captain Tsubasa (nombre original de Los Supercampeones, jamás se ha planteado dejar a su protagonista sin piernas, por lo que el rumor es falso.
 

Evangelion, atentado contra la iglesia
Con referencias bíblicas por todos lados (ángeles, Adán, Eva, Lillith y la lanza de Longino), solamente hablar de la serie japonesa en su mejor momento, allá por la década de los años noventa era ya un acto casi blasfemo que ameritaba excomunión.
Creada por los Estudios Gainax, la serie de culto fue sórdida en su momento por sugerir que los ángeles eran enemigos de la humanidad. En la actualidad se han lanzado más versiones y películas “alternas”, que ofrecen distintos finales, aunque en el original, sólo sobrevivían dos: Un hombre y una mujer, que tenían que repoblar el planeta.. como Adán y Eva. 

Los episodios secretos de Ranma
La comedia picante de Ranma 1/2 fue un éxito en México, pero algunas situaciones eran demasiado subidas de tono, con todo y que en la década de los años noventa, la saga se trasmitía a las 20:00 horas.
Escenas de desnudos y constantes topless del protagonista, Ranma Saotome, hicieron que se tuvieran que “censurar” pequeños pasajes, e incluso, episodios completos, que jamás se transmitieron en México, pese a que si se doblaron. La verdad detrás de esta leyenda urbana es que, en efecto, hay episodios “secretos” de Ranma en México.

Mazinger es destruido al final
Las caricaturas japonesas, como si fueran melodramas, solían tener finales que se alejaban, y mucho de lo “feliz”. En el caso de Mazinger, el robot gigante perdía su última batalla contra las máquinas del Dr. Hell, y era destruido.
La serie creada por Go Nagai no se tocaba el corazón al mostrar violencia gráfica, incluyendo la muerte del robot protagonista, que era brutalmente derrotado y hecho pedazos por sus oponentes. Y lo mismo le hubiera sucedido a Koji Kabuto, piloto de la máquina, si no hubiera sido por la intervención milagrosa de un “nuevo” héroe, llamado Grand Mazinger (Nagai no se rompía la cabeza para bautizar a sus héroes). 

Pokemon provoca epidemia masiva
El capítulo número 38 de Pokemon jamás fue transmitido en México, Estados Unidos y el mundo. Y en Japón solamente una vez, el 16 de diciembre de 1997, y con esa tuvo. Ese episodio muestra una serie de luces de colores, cuyos patrones y la velocidad en la que se emitieron provocaron que los espectadores susceptibles a esos estímulos sufrieran ataques epilépticos.
En total, fueron 685 víctimas, la mayoría niños. Cuando un noticiario japonés transmitió la noticia en la noche, volvió a emitir las imágenes...y causó más ataques.
El episodio se enlató, y cuando la serie llegó a América, la animación se “alentó” a propósito, para evitar problemas similares en un futuro.

El final trágico de Shin-Chan
Shin-Chan es una de las caricaturas infantiles más populares de Japón. Dotada de un colorido e inocencia que resulta hilarante incluso para los adultos,comenzó como un manga (que se edita desde 1990), y que posteriormente dio lugar a un anime, que no ha parado de emitirse desde 1992.
Pero este éxito ya no lo pudo disfrutar Yoshito Usui, creador del personaje y el manga. Y es que en 2009 falleció, luego de caer 120 metros por un barranco mientras practicaba senderismo.
Pese a su muerte, Manga Town, editorial que publica las aventuras de Shin-Chan, decidió que el fallecimiento del autor no implicaba el fin de la historia, que siguen publicando, pese a la protesta de la familia de Usui.

Candy Candy y sus problemas con la ley
Caricatura con tintes de novela, el final de Candy Candy es repudiado en general, incluso por los fanáticos de la animación. La causa es que Toei, estudio de animación de la serie, terminó el show de forma intempestiva, ante la demanda de Kyoko Mizuki, cocreadora del personaje, que exigía los mismos beneficios económicos que Yumiko Higarashi, la otra “mamá” de Candy.
La pelea a tres bandas entre las dos mentes detrás de Candy y Toei, llevó al final repentino de la serie. Y hasta la fecha, no hay final oficial de Candy Candy.

Posesión estilo Dragon Ball
Año 2001, en el distrito de Morales, a quince minutos de Tarapoto (Perú), dos adolescentes, Edil Castillo y Christian Vilchez, fueron poseídos (según ellos) por los espíritus de Gokú y Vegeta, el héroe y el villano de la serie animada Dragon Ball Z.
La noticia provocó revuelo en Perú (por absurda, no tanto por espiritual, pues no hubo más casos de posesiones), aunque le dio alas a quienes han señalado que la serie, creada a partir de una idea original de Akira Toriyama, promueve la violencia y siembra las semillas del mal en las inocentes mentes de los niños.

Doraemon, final trágico
Doraemon, una serie infantil, también tiene varios finales “trágicos” inventados en internet. El más común, es que Nobita, el mejor amigo del protagonista, es parapléjico, y todas las aventuras de la serie las sueña mientras está en coma (parece que lo inventaron los mismos que hicieron el de Supercampeones).
En realidad, Doraermon, manga que apareció en 1969, no tiene final. Hiroshi Fujimoto y Motoo Abiko, creadores del personaje, se pelearon en 1989, y desde entonces no trabajan juntos, dejando sin final la serie. Y la muerte de Fujimoto hace que la reconciliación sea todavía más difícil. 

El plagio de Kimba
Kimba, un pequeño león blanco, pierde trágicamente a su padre y termina lejos de su hogar. El camino que emprende de regreso le enseña varias lecciones de vida, y lo convierten poco a poco, en un digno aspirante a Rey de la Selva. 
Si alguien encuentra similitudes entre el personaje de Kimba, creado por Osamu Tezuka en los años cincuenta del Siglo pasado, y El rey León de Disney, no es el único. Pese a los evidentes parecidos, la empresa estadounidense ha negado una y otra vez el plagio.

martes, enero 07, 2014

Godzilla, el Rey de los monstruos



¿Qué pensaban Tomoyuki Tanaka, Ishiro Honda y Eiji Tsubaraya cuando crearon a Godzilla? ¿De verdad tenían en mente presentar un personaje que retratara el terror japonés (y mundial, en general) a la radiación atómica? ¿O simplemente era un monstruo diseñado para atraer a los espectadores nipones, ávidos de paliar la dura reconstrucción de su país tras la guerra?
Lo cierto es que el gigantesco reptil mutante con poderes atómicos cumple en 2014 medio siglo de haber aparecido por primera vez en el cine, a veces como una imponente amenaza, en algunas ocasiones como un héroe improbable de la humanidad. Impredecible. Imparable.
El velo que cubre la génesis de esta gigantesca bestia no hace sino incrementar su leyenda y darle nuevas alas. Y es que más allá de los samuráis, robots gigantes, las artes marciales y los personajes del anime, Godzilla es desde hace 50 años el personaje insignia de la cinematografía japonesa.

Perfil del más grande
Cuando la humanidad tiene que enfrentar a Godzilla, regularmente las cosas no salen bien para la civilización. El gigantesco monstruo suele atacar ciudades cerca del mar, y tiene predilección por zonas densamente pobladas.
Si hay un país que reúne las características perfectas para sufrir una y otra vez los ataques del magno reptil es Japón. La cadena de Islas que conforman al país del Sol Naciente, y particularmente la ciudad de Tokio, se ha visto azotada una y otra vez por esta escamosa arma de destrucción masiva. En Estados Unidos, suele desquitarse con la infaltable Nueva York.
Con cabeza y cola de reptil, pero un cuerpo de aspecto humanoide, el tamaño y la fuerza de Godzilla eran apenas algunas de sus armas. A eso se agregaba el aliento de fuego atómico, que era capaz de convertir en parrillas los barrios bajo su ataque. La forma de saber si la bestia iba arrojar fuego, era observando la cadena de aletas en su espalda, que comenzaban a brillar.
La cola de Godzilla funciona como un gigantesco timón, y también lo impulsa a enormes velocidades, lo que le permite perseguir a su presa o escapar según sea el caso. Si en tierra era mortal, bajo el agua es implacable. Cuando pelea, puede utilizarla como un látigo de proporciones gigantescas, lo que aumenta su poder.
Contra él, se han utilizado ejércitos, tanques, aviones de combate, destructores, submarinos, armas atómicas, de pulso electromagnético y hasta robots gigantes. Está de más decir que en 50 años, nada de esto ha funcionado.

A la pantalla Aunque se le relaciona como una amenaza, de vez en cuando Godzilla puede convertirse en un antihéroe, o la salvación menos esperada para una ciudad necesitada. No son pocas las veces que otro monstruo llega antes a la ciudad, y es el reptil con fuego atómico quien se encarga de abatirlo, para “alivio” de los habitantes (aunque regularmente en el proceso, barren con toda zona urbana). Monstruos gigantes, mutantes, extraterrestres e incluso una versión robótica de Godzilla (Mechagodzilla) han sido las mayores amenazas del personaje a lo largo de sus películas, mismas que vence utilizando su gran fuerza, pero también otro atributo poco frecuente en reptiles de más de 70 metros de alto: Inteligencia.
Godzilla es capaz de aprender de sus adversarios. Eso explica porque ya no cae en emboscadas de ejércitos y es capaz de evadir las trampas que se le lanzan. También ha mostrado ser capaz de razonar con otros monstruos para convertirlos en “aliados”, y cuando no, logra desarrollar la táctica necesaria para triunfar.
Aunque las películas de monstros gigantes vivieron su auge en las décadas de los años treinta a los sesenta del siglo pasado, lo cierto es que Godzilla no es un concepto rancio. El próximo 16 de mayo se estrenará una nueva película, rodada en Hollywood, que promete respetar las bases que hicieron popular al personaje en Oriente. El regreso de la gigantesca bestia, es inminente.

Las imperdibles

“Godzilla, Rey de los monstruos”
Versión norteamericana del Godzilla original de 1954. Fue editada y se grabaron nuevas escenas (se eliminaron a los actores japoneses), para volverla un producto más “comercial” en Estados Unidos.

“Godzilla vs King Kong”
En 1962 las dos bestias más grandes del cine usaron Japón como ring en una cinta de culto para el género de ciencia ficción. Godzilla y King Kong pelean a lo largo de esta cinta que termina con el gigantesco simio como vencedor (en esa época, Godzilla era más un villano).

“Godzilla, la serie animada”
Producida en 1978 por Hanna Barbera y los estudios Toho de Japón. La serie presentaba a un Godzilla que, al ser llamado con un botón, emergía del mar para ayuda a sus “amigos” humanos.